CFC — Programma dettaglio

Le pillole di Photoshop di stasera riguardano la correzione mirata di colore e tonalità (uso di Tonalità/Saturazione e Bilanciamento colore per intervenire su singole gamme cromatiche invece che sull'intera immagine) e alcune tecniche per aggiungere carattere a un ritratto tramite scherma/brucia selettivo e micro-contrasto locale. Sul fronte scatto, si parla di composizione per il paesaggio (linee guida, piani, punto di forza) e di come superare l'imbarazzo iniziale nella photostreet, con accorgimenti pratici per avvicinarsi alle persone con naturalezza.

Applicare correzioni di colore mirate a singole gamme cromatiche invece che generiche su tutta l'immagine; usare scherma e brucia per dare profondità a un ritratto; comporre un paesaggio lavorando su più piani; affrontare con più sicurezza il primo approccio alla fotografia di strada.

La società di oggi ha perso il concetto di comunità con cui siamo cresciuti, e si sta trasformando sempre di più in un individualismo, dove nessuno è più compagno di strada ma antagonista di ciascuno, da cui guardarsi. Tutto ciò ha minato le basi della società, l'ha resa fragile, da qui una situazione dove tutto è demandato al singolo individuo, a cui mancano i riferimenti e l'incertezza è l'unica certezza. Disuguaglianza economica, perdita di fiducia nelle istituzioni, droga, abusi, razzismo, inquinamento, guerre, crisi di valori... È questa la società di oggi? Default rappresenta come la società è vista, mentre Sensus indaga i pensieri, i sogni e i desideri dell'individuo.

Non lasciarti trasportare dalla massa. Impara a lasciarti guidare dalle tue sensazioni, dalle tue passioni, dal tuo cuore, da ciò che ti fa sorridere e dai tuoi sogni. Chiunque ha qualcosa da raccontare anche solo con una frase, un gesto o un'espressione del viso. Tutto racconta l'esperienza che ci portiamo dentro e le idee che nascono al nostro interno. Uno dei mezzi più potenti della società umana è la scrittura, oggi come ieri, efficace nell'esprimere con poche parole anche i concetti e i sentimenti più difficili. SENSUS è un progetto fotografico che vuole indagare, fotograficamente, l'animo umano nella manifestazione delle proprie emozioni, desideri e sensazioni della vita, mediante il connubio del ritratto e della scrittura. Un lavoro fotografico, generazionale, inclusivo e di genere.

Questa ricerca fotografica, abbinata al Goal n. 15 dell'Agenda 2030 dell'ONU, non si limita a raccogliere immagini di piante, fiori, animali domestici o esotici, ma prova a restituire la complessità, la fragilità e la meraviglia della biodiversità. In un'epoca in cui la natura sembra arretrare sotto il peso delle azioni umane, questa esposizione è un invito a riconoscere la ricchezza che ancora ci circonda, che sostiene l'equilibrio del nostro pianeta e di cui l'uomo fa parte. Ciascuno è responsabile di promuovere un uso sostenibile degli ecosistemi per proteggere la varietà delle specie viventi. La biodiversità non è un concetto astratto e non è presente solo nelle foreste tropicali o nei parchi nazionali, ma è presente anche nei giardini e nei parchi urbani. In una vita dominata dalla velocità e dalla distrazione, la fotografia diventa uno strumento per veicolare bellezza: ciò che ci stupisce, lo proteggiamo; ciò che ci emoziona, lo rispettiamo.

Un viaggio attraverso un paese che sfugge a ogni definizione unica: templi millenari e metropoli in continua espansione, deserti silenziosi e coste affollate di vita, tradizioni antiche che convivono con una modernità inarrestabile. Attraverso immagini e suoni, la serie racconta l'India come un mosaico di contraddizioni e armonie: colori accesi e povertà, spiritualità profonda e frenesia quotidiana, silenzio e caos che si intrecciano senza mai escludersi. Ogni luogo, ogni volto, ogni gesto racconta un frammento di un paese che è insieme uno e infinito. Non un'India da cartolina, ma uno sguardo che cerca di restituire la complessità di un subcontinente che vive di estremi — e che proprio negli estremi trova il suo equilibrio.

Inviare 3 foto a tema, rinominate autore_n1, autore_n2, autore_n3, formato JPG, 300 dpi, dimensioni 20x30 cm, alla mail circolocasellese@gmail.com. Scadenza invio: giovedì 01/10/2026.

Il tema non chiede di fotografare l'estate in senso ampio — paesaggi di mare o vacanze qualunque — ma di isolare un singolo oggetto, gesto o dettaglio capace da solo di evocarla in modo immediato, quasi come un simbolo. La forza dello scatto sta nella sintesi: meno elementi nell'inquadratura, più forte il riconoscimento del soggetto come icona della stagione, indipendentemente dal luogo in cui è stato colto.

Un gelato che si scioglie al sole, un paio di infradito su un asciugamano, una racchetta da beach tennis nella sabbia, occhiali da sole su un libro aperto, una fetta d'anguria appena tagliata, le luci al neon di un lido serale, un ventaglio, una bottiglia d'acqua appannata. Anche un dettaglio urbano — una persiana socchiusa contro il sole, un condizionatore acceso — può raccontare l'estate in modo indiretto e originale.

Le due pillole di Photoshop riguardano l'aumento mirato di vividezza (il cursore Vividezza agisce soprattutto sui colori meno saturi, preservando gli incarnati, a differenza di Saturazione che agisce su tutti i colori) e il rafforzamento del contrasto in bianco e nero tramite curve a S invece del solo cursore Contrasto, per un controllo più fine su ombre e alte luci. Il terzo spunto raccoglie tredici accorgimenti pratici per il ritratto, dalla scelta dell'obiettivo alla gestione dello sguardo del soggetto. Il focus sul grande fotografo Dorothea Lange, autrice del celebre "Migrant Mother", mostra come un ritratto possa raccontare un'intera epoca storica.

Distinguere vividezza e saturazione e sapere quando usare l'una o l'altra; costruire un contrasto più naturale in bianco e nero con le curve a S; applicare al proprio ritratto alcuni dei tredici accorgimenti pratici; riconoscere il valore documentario e sociale di un ritratto attraverso l'esempio di Dorothea Lange.

Familiarizzare con il circolo, i suoi spazi e le persone che lo animano, e iniziare a costruire uno sguardo consapevole: imparare a vedere per inquadrature invece che scattare d'istinto. La regola dei terzi diventa il primo strumento concreto per decidere dove posizionare il soggetto, invece di metterlo sempre al centro per abitudine. Si comincia anche a fare chiarezza sugli strumenti: tipi di apparecchi fotografici, obiettivi e schede di memoria disponibili sul mercato.

Applicare la regola dei terzi per bilanciare un'inquadratura in modo naturale; riconoscere a colpo d'occhio gli errori compositivi più comuni (orizzonti storti, soggetti centrati senza motivo, spazio vuoto sprecato); orientarsi tra le diverse tipologie di corpo macchina, obiettivi e schede di memoria per fare scelte d'acquisto più consapevoli; muoversi con sicurezza tra le attività del circolo, sapendo a chi rivolgersi per le diverse esigenze del percorso di corso.

Un viaggio in sei audiovisivi fotografici per svelare il volto più intimo e autentico della Terra di Mezzo meno conosciuta, attraverso l'incontro con i luoghi ed i suoi abitanti.

Consolidare la regola dei terzi vista alla lezione precedente, questa volta attraverso il confronto diretto con foto reali scattate dagli stessi allievi, non con esempi teorici o di autori professionisti. Vedere i propri errori — e quelli dei compagni — aiuta a fissare il concetto molto più in fretta che una spiegazione astratta.

Leggere criticamente un'immagine altrui in modo costruttivo; individuare dove e come applicare, o correggere, la regola dei terzi nei propri scatti futuri; abituarsi al confronto di gruppo come strumento di apprendimento, imparando sia a ricevere sia a dare un commento tecnico utile senza risultare né vago né eccessivamente severo. La pratica regolare di questo tipo di analisi costruisce nel tempo un occhio critico più allenato, utile ben oltre la singola lezione, in ogni fase del percorso fotografico futuro dell'allievo.

Una serata dedicata al racconto del suo percorso fotografico, della ricerca sul ritratto e del linguaggio visivo che caratterizza i suoi progetti tra fotografia editoriale, commerciale e artistica. Il ritratto viene esplorato non come semplice documentazione di un volto, ma come incontro: la relazione che si crea tra fotografo e soggetto diventa parte integrante del risultato finale, tanto quanto la tecnica usata per ottenerlo. Attraverso una selezione di lavori realizzati in ambiti diversi — dalla fotografia editoriale a quella commerciale, fino ai progetti più personali e artistici — la serata mette a confronto approcci e linguaggi differenti allo stesso soggetto, offrendo spunti utili a chiunque voglia sperimentare il ritratto nelle sue molte declinazioni, oltre la semplice tecnica di posa e illuminazione.

Capire come diaframma, tempo di scatto e sensibilità ISO interagiscono tra loro per controllare esposizione, profondità di campo e nitidezza del movimento — il cosiddetto triangolo dell'esposizione. È la lezione che segna il passaggio dall'uso automatico della macchina fotografica a un controllo più consapevole delle sue impostazioni principali.

Impostare la macchina in modalità A, S o M con consapevolezza, sapendo cosa si sta sacrificando o guadagnando rispetto all'automatico; scegliere la profondità di campo più adatta al soggetto (sfondo sfocato per un ritratto, tutto a fuoco per un paesaggio); riconoscere quando serve un tempo di scatto veloce per congelare il movimento. Questa competenza tecnica, una volta acquisita, richiede sempre meno attenzione consapevole durante lo scatto, lasciando più spazio mentale per la composizione e per le scelte creative dell'immagine.

Un viaggio attraverso cinque luoghi che raccontano le molte anime dell'Algeria. Algeri, capitale sospesa tra Mediterraneo e memoria coloniale; Ghardaïa e Melika, cuore pulsante della Valle del M'zab, dove l'architettura ibadita disegna un paesaggio unico al mondo; Béni Isguen, città sacra e custode di tradizioni secolari; Costantina, sospesa sui suoi ponti e le sue gole, crocevia di storia e modernità. Attraverso immagini e suoni, la serie restituisce un'Algeria plurale: città di pietra e di sabbia, dove il deserto non è mai lontano — è memoria, silenzio, orizzonte. Ogni luogo custodisce un frammento diverso della stessa identità, sospesa tra radici antiche e vita contemporanea.

Approfondire il settaggio avanzato dell'apparecchio, oltre le funzioni di base già viste: come sfruttare l'esposimetro in situazioni complesse, il bracketing per catturare più esposizioni dello stesso scatto, la griglia nel mirino come aiuto compositivo, le diverse modalità di misurazione della luce, la modalità drive (scatto singolo, raffica, autoscatto), i punti di autofocus e il bilanciamento del bianco.

Impostare il bracketing per non perdere lo scatto giusto in condizioni di luce difficili; usare la griglia del mirino come riferimento compositivo immediato; scegliere la modalità di misurazione della luce più adatta alla scena (spot, matrix, media pesata); selezionare consapevolmente i punti di autofocus invece di lasciarli in automatico; regolare il bilanciamento del bianco per un colore fedele in ogni condizione di luce, artificiale o naturale.

Le pillole di post-produzione riguardano lo sviluppo ottimale dei file RAW con il software DPP e alcune tecniche per ottenere uno sfondo pulito in fase di ritocco (selezione, sfocatura mirata, clonazione). Sul fronte scatto, dieci consigli pratici per la fotografia di architettura (linee di fuga, verticali dritte, punto di ripresa) e un approfondimento sulla riduzione del rumore digitale tramite intelligenza artificiale, tecnologia ormai integrata nei principali software di sviluppo.

Sfruttare al meglio un software di sviluppo RAW dedicato invece di impostazioni generiche; ripulire uno sfondo in post-produzione senza renderlo innaturale; applicare i principi di base della fotografia di architettura; valutare quando e come usare gli strumenti di riduzione rumore basati su intelligenza artificiale.

Due mondi apparentemente lontani si incontrano nel lavoro di Davide Peci: da un lato la lentezza contemplativa del paesaggio, dove conta l'attesa della luce giusta e l'osservazione paziente del territorio; dall'altro l'adrenalina e la velocità delle competizioni di rally, dove invece è l'istante, il centesimo di secondo, a fare la differenza tra uno scatto qualunque e quello che racconta davvero l'azione. Una serata che alterna atmosfere opposte — la quiete di un'alba in montagna e il rombo di un'auto che sfreccia tra le curve — per mostrare come uno stesso sguardo fotografico possa adattarsi a linguaggi e ritmi completamente diversi, mantenendo però la stessa cura per la composizione e per il momento decisivo dello scatto.

Trasformare l'esperienza sul campo dell'uscita fotografica in vero apprendimento tecnico, attraverso un confronto guidato sulle immagini portate da ciascun allievo. Non è solo un momento di critica: è l'occasione per capire cosa ha funzionato in ogni scatto e perché, così da poterlo ripetere consapevolmente la volta successiva.

Autovalutare i propri scatti con criteri tecnici oggettivi (esposizione, composizione, nitidezza) invece che solo con il gusto personale; individuare margini di miglioramento concreti e realizzabili; abituarsi al formato di consegna richiesto dal circolo (JPEG, 300dpi, 30x20cm, nome file standardizzato), competenza utile anche per il Photomatch. La pratica regolare di questo tipo di analisi costruisce nel tempo un occhio critico più allenato, utile ben oltre la singola lezione, in ogni fase del percorso fotografico futuro dell'allievo.

Inviare 3 foto a tema, rinominate autore_n1, autore_n2, autore_n3, formato JPG, 300 dpi, dimensioni 20x30 cm, alla mail circolocasellese@gmail.com. Scadenza invio: giovedì 19/11/2026.

Il soggetto è sempre una persona, reale o in posa: quello che fa la differenza non è la tecnica di per sé, ma la relazione che si crea tra chi scatta e chi viene fotografato. Un buon ritratto racconta qualcosa di autentico — un'espressione, uno sguardo, una postura — più che semplicemente documentare un volto. Vanno bene sia scatti costruiti in studio sia ritratti colti sul momento, purché il soggetto resti al centro della narrazione.

Un ritratto ambientato nel luogo di lavoro o nella passione della persona, un primo piano essenziale su sfondo neutro, uno scatto rubato mentre il soggetto non guarda in camera, un autoritratto allo specchio, due sguardi che si incrociano in una foto di coppia, un dettaglio delle mani al posto del volto, un ritratto in controluce che gioca con la sagoma.

Introdurre il post-produzione con Fastone come fase naturale e onesta del processo fotografico, non come un trucco per rimediare a uno scatto sbagliato. Si lavora sugli strumenti di base per correggere, migliorare e rifinire un'immagine già tecnicamente valida, mantenendo sempre un risultato credibile e non eccessivamente ritoccato.

Correggere esposizione e colore in modo non distruttivo, così da poter sempre tornare all'originale; usare ritaglio, ridimensionamento, istogramma e curve per migliorare un'immagine senza snaturarla; distinguere una correzione tecnica legittima da una manipolazione che altera il significato originale della fotografia scattata. Questa competenza tecnica, una volta acquisita, richiede sempre meno attenzione consapevole durante lo scatto, lasciando più spazio mentale per la composizione e per le scelte creative dell'immagine.

Il ritratto psicologico va oltre la ricerca della posa perfetta o della luce tecnicamente ineccepibile: punta a far emergere qualcosa dell'interiorità del soggetto, un frammento di carattere o di emozione che normalmente resta nascosto davanti all'obiettivo. In studio, dove ogni elemento — luce, sfondo, distanza — è sotto controllo, questo diventa anche un esercizio di regia e di ascolto della persona che si ha davanti. La serata offre strumenti pratici di fotografia da studio (impostazione delle luci, gestione dello sfondo, direzione del soggetto) insieme a una riflessione più ampia su cosa significhi davvero "vedere dentro" chi si sta fotografando, proseguendo il filo del lavoro introspettivo già proposto da Emanuele Rossi con il progetto "Connessioni".

Esplorare tre generi fotografici molto diversi tra loro — architettura, paesaggio urbano e figura ambientata — e i rispettivi linguaggi visivi, capendo che ognuno richiede scelte compositive e tecniche specifiche. Non esiste un unico modo di fotografare bene: ogni stile ha le proprie regole e le proprie eccezioni da conoscere.

Riconoscere le convenzioni compositive di architettura (linee, simmetrie, prospettive), paesaggio urbano (contesto, atmosfera, momento della giornata) e ritratto ambientato (relazione tra persona e luogo); scegliere consapevolmente lo stile più adatto al soggetto e al messaggio che si vuole comunicare con quella specifica immagine. Sperimentare stili diversi da quelli abituali aiuta anche a scoprire quale linguaggio fotografico si avvicina di più alla propria sensibilità personale, oltre le convenzioni tecniche apprese in aula.

Per la festa di Natale impacchetta qualcosa che hai in casa. Se non lo usi da oltre un anno significa che a te non serve, ma a qualcuno potrebbe servire. Oggetti che per te non hanno valore possono avere valore per qualcuno. Ti hanno fatto un regalo brutto? È il momento di riciclarlo. A cosa serve? A fare festa tutti insieme, un momento di leggerezza per stare insieme. Non servono oggetti di valore: vanno bene anche regali costruiti o di poco valore, purché non rotti. A fine serata metteremo tutti i pacchi sul tavolo e chi ne ha portato uno potrà portarsi a casa un pacco pescandolo dal mucchio.

Porta una foto (o un set di massimo 6 foto) che rappresenta il titolo di una canzone famosa. I soci tenteranno di indovinarla, e la potremo cantare insieme a squarciagola.